Presentación comunicaciones

 

Francisco Martínez Cano
Universidad Miguel Hernández
francisco.martinezc@umh.es

Proyecto Fotográfico: Frágil Frontera (PDF)

Los registros fotográficos que forman parte de este proyecto fueron realizados entre el estado de California y el estado de Baja California, usando como eje fronterizo el paso de San Ysidro y el muro de Tijuana Playas, durante el mes de julio de 2018, en concreto entre las ciudades de Tijuana, Ensenada, San Diego, Los Ángeles y San Francisco.

Paco Cano Frágil Frontera


Celia Vega Pérez
Universidad Complutense de Madrid
cevega@ucm.es

Proyecto fotográfico: La celosía (PDF)

El título del proyecto alude a la mirada obsesiva, repetitiva y desafectada del narrador de la novela de Alain Robbe-Grillet, que describe las acciones y a los personajes como si estuviera espiándolos a través de una ventana que impide ser visto, pero permite ver. También hace referencia al efecto que se genera al reconstruir la plaza a partir de fragmentos de diferentes imágenes, dejando espacios en blanco que forman dibujos geométricos irregulares. Y, finalmente, a las luces que se proyectan al caer la tarde en la plaza y que aparecen en algunas de las fotografías que componen La celosía.

La celosía baja resolución

Enlace a Teaser en Vimeo: https://vimeo.com/413529319 contraseña lc2020


José Ignacio Llorente
Universidad del País Vasco
eneko.lorente@gmail.com

Comunicación escrita: Círculos de confusion (Eneko Lorente)

Círculos de confusión es un proyecto de investigación interdisciplinar cuyo objeto consiste en el análisis de las formas de construcción de la mirada en el retrato fotográfico.

La investigación recurre a la metodología socio-semiótica para estudiar el sentido inscrito en la vida social de los objetos visuales, partiendo de la idea, con Emmanuel Lévinas, de que “el rostro es una de las formas por las que se nos presenta el Otro y nos reconocemos a nosotros mismos”.
Los referentes estéticos de esta investigación son el resultado de prácticas intermediales realizadas en los años 90, por parte de fotógrafos como Fredicke Lawik y Hans Müller (La folie à deux, 1996), Rineke Dijkstra (Beach Portraits, 1994) y cineartistas como James Benning (Faces, 1973-2010), junto con las foto-coreo-grafías de Sharon Lockhart (Goshogaoka, 1997) y Meg Stuart (The Only Posible City, 2008), entre otros artistas visuales.
El análisis aborda el retrato contemporáneo como una estrategia para la movilización de la mirada hacia “aquello que (nos) mira desde lo que miramos” (Didi-Huberman, 1997), produciendo las “diferentes diferencias” con las que el sujeto construye la alteridad del Otro (Landowski, 1997), y ante las cuales se posiciona como identidad frágil y movediza.
Círculos de confusión indaga las huellas del trabajo de producción de esas diferencias en el dispositivo fotográfico, junto con la articulación de una mirada desde cuya posición el observador es interpelado e inscrito en una dialéctica de identidades y alteridades.


José Luis Valhondo Crego
Universidad de Extremadura
jlvalcre@unex.es

Comunicación escrita: Los límites de la representación de la identidad social: una comparación intermedial del trabajo de Garry Winogrand y Martin Scorsese (PDF)

Una de las citas más conocidas de la historia de la fotografía pertenece al fotógrafo Garry Winogrand: “La fotografía no trata de aquello fotografiado. Trata de cómo se ve aquello cuando es fotografiado”. Este texto parte de esa cita para abordar la cuestión de los límites de la posibilidad de representación de la identidad a través de la relación intermedial entre fotografía y cine, en concreto, entre el trabajo de Martin Scorsese y su película Taxi Driver (1976) y el de Garry Winogrand en trabajos como Women are beautiful (1975). Nuestro análisis se centra en los rasgos estéticos e ideológicos que comparten las imágenes producidas por ambos creadores. Por una parte, resaltamos lo “fotográfico” de la narración de Scorsese. Algunos de sus planos en Taxi Driver tienen una naturaleza puramente documental, parecen fotos de Winogrand. Por otra parte, señalamos lo cinematográfico de las fotos de Winogrand en relación a la capacidad narrativa de esas imágenes. Las conclusiones del análisis confirman la idea de que la modernidad creía aún en el poder objetivo de las tecnologías de representación; no así la posmodernidad. Y menos, si el objeto de esa representación es la identidad social. Los sujetos de las fotos de Winogrand y el protagonista de Taxi Driver revelan cuestiones candentes sobre la coherencia de la conducta y la posibilidad de comunicación de la identidad.

Comunicación escrita: La representación de Nollywood por Pieter Hugo (PDF)

El trabajo de Pieter Hugo ha contribuido a dar a conocer a nivel global a la tercera industria cinematográfica más prolífica del mundo. Nollywood ha reinventado la distribución y la exhibición del cine en el entorno del continente africano permitiendo a millones de personas construir nuevas narrativas a través de sus propias historias (Tomaselli, 2014). Existe todo un relato tras la fundación de esta industria del cine que se remonta al negocio de la importación de cintas de video VHS a principios de la década de 1990 (Ewan, 2008). Ese relato ha resultado transfigurado en un ensayo fotográfico realizado entre 2008 y 2009 por el fotógrafo sudafricano Pieter Hugo. La mayoría de las fotografías fueron realizadas en Enugu, el segundo centro de producción de Nollywood en Nigeria, tras Lagos. Las fotos que analizamos son retratos de actores y actrices en las pausas de rodaje, con el vestuario de las películas en las que trabajan. Miran directamente al objetivo de la cámara y aparecen con fondos que podrían ser calificados como no-lugares (Augé, 1992). A través de un análisis crítico del discurso de las imágenes, este texto se apoya en el marco de la teoría crítica de la raza (Chaudhri, 2012). La manifiesta ambigüedad de los retratos de Hugo dejan espacio para interpretaciones que van desde la celebración posmoderna hasta el reduccionismo de los estereotipos coloniales.


Ricardo Roncero Palomar
Universidad Rey Juan Carlos
ricardo.roncero@urjc.es

Comunicación escrita: El perfil de usuario de laboratorio fotográfico analógico en blanco y negro. Un caso de estudio: el Laboratorio de fotografía de La casa Encendida.

En las últimas décadas el número de laboratorios fotográficos analógicos abiertos al público ha descendido drásticamente llegando a desaparecer casi por completo. El reinado de la fotografía digital hace que no sean necesarios para tener una experiencia fotográfica. Sin embargo algunos de estos espacios continúan en pie sirviendo de recurso para aquellos aficionados y profesionales que no cuentan con un laboratorio propio. Esta comunicación trata de realizar una radiografía del usuario habitual, parcial o momentáneo de estos laboratorios. Utilizando como referente el Laboratorio fotográfico de La Casa Encendida, uno de los pocos abiertos al público que queda en Madrid, se analizará el tipo de usuario que continua utilizando estas tecnologías. Acotando el estudio entre los años 2014 y 2019 se clasificará según franja de edad, sexo, tipo de uso del laboratorio y nivel profesional entre otros para intentar sacar unos parámetros estables, si los hubiera, de estos usuarios. También se estudiará el tipo de recursos ofrecidos y métodos docentes más habituales dentro del centro para este tipo de enseñanza fotográfica.


Marta Leticia Sánchez Cardete
EASDA (Escola d’Art i Superior de Disseny d’Alacant)
martaleticiasanchez@hotmail.com

Comunicación escrita: Pose e identidad. La construcción de la máscara en el retrato.

El retrato fotográfico ha sido, desde los albores de la invención de la fotografía, una forma de representación de la identidad que, en el caso del posado, se relaciona con la máscara. La consciencia de estar siendo retratado interviene en la pose y la expresión que se articula frente a la cámara. Objeto de estudio. Esta investigación parte de la evolución del retrato de gabinete de los primeros retratistas, para aplicar los condicionantes de tiempo de exposición e inmovilidad a retratos actuales sobre una muestra de personas que desean ser retratadas y por tanto se prestan al estudio. Metodología. Se emplea una triangulación metodológica con técnicas cuantitativas y cualitativas: análisis de retrato de gabinete y aproximación a los tiempos de exposición utilizados, retratos sistemáticos aplicando dichos tiempos, observación de resultados y obtención de apreciaciones acerca de la construcción de la expresión perdurable o “máscara de expresión”. Conclusiones. Hay un efecto del tiempo y de la recreación de un entorno de retrato de encargo en la expresión y la rigidez o envaramiento de un sujeto sedente. El uso de obturaciones largas, sin embargo, no coarta la posibilidad de construir un semblante amable, mientras que las velocidades de obturación cercanas a lo que consideramos una instantánea no provocan mayor dinamismo en la expresión, ya que la necesidad de representarnos en un solo instante de manera consciente hace que surja esa imagen social que sabemos perdurará más allá de la sesión que ha sucedido.


Xisco Navarro
http://xisconavarro.com/documental/kibera-sos/

Proyecto Fotográfico: Xisco Navarro Kibera Creative Arts

Esta pieza de trabajo vincula a un colectivo de artistas del barrio de Kibera (Nairobi), quienes tienen como objetivo empoderar a la comunidad a través del arte, tanto a nivel económico como social; y además reducir las barreras existentes entre Kibera y el mundo, transformando así los prejuicios existentes hacia este modelo de barrios, de vida y de gente. El proyecto explora este asentamiento informal de la periferia de la capital keniana, el más grande de África con 4000 hectáreas de extensión, y la incierta cantidad de más de un millón de habitantes. Su origen se remonta cuando el gobierno colonial británico instaló a los soldados nubios, creando en Kibera una reserva militar que combatiría por los distintos territorios de la región y así conseguir la dominación de la actual Kenia. Sin embargo, los Nubios fueron declarados Inquilinos de la Corona Británica, lo cual significaba que cualquier estructura en Kibera corría el riesgo de ser destruida en favor de un proyecto gubernamental. Este hecho hacía de Kibera un hábitat provisional con ausencia de los recursos mínimos básicos. Tras la guerra los Nubios fueron abandonados por el gobierno Británico, y Kibera se convirtió en receptor de miles de personas procedentes de Sudán, Etiopia, Somalia y otros países colindantes de África Oriental, que advertían el exponencial crecimiento de Nairobi. Esa pluralidad hacen de este asentamiento un lugar de interculturalidad y heterogeneidad musical, actuación, pintura, artesanía o cualquier otra disciplina artística. La fotografía permite explorar la memoria y el concepto de espacio, además de documentar la irracionalidad de las colonias y sus consecuencias, siendo el pasado una idea de visión para el futuro. Artistas que pertenecen al colectivo Kibera Creative Arts han sido fotografiados en ubicaciones de Kibera, elegidas por ellos mismos donde sintieran nostalgia o identificación.

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Rafael R. Tranche
Ana González Casero 
Universidad Complutense de Madrid
tranche@ccinf.ucm.es

Comunicación escrita: La calle como escenario político en la Transición española a través del fotoperiodismo (PDF)

En los años que van de 1975 a 1982, un sector concienciado de la sociedad saldrá a la calle para reclamar las libertades y los derechos democráticos. Sector en buena medida integrado por movimientos y partidos (anarquismo, extrema izquierda, plataforma antiOTAN, asociaciones vecinales…), que no verán colmadas sus aspiraciones con el nuevo sistema político. Se trata de dar visibilidad a la protesta, representar la oposición al régimen y forzarle a exhibir su faz represora. En este clima de confrontación el aparato de Estado, todavía anclado en las estructuras franquistas, ejercerá una intensa violencia para reprimir esta contestación.

Lo que pretendemos analizar en este texto es cómo el fotoperiodismo y la prensa gráfica de la época reflejan esa agitación. No solo para constatar su vocación informativa o su indudable valor testimonial, sino para esclarecer el modo en que algunas fotografías logran condensar determinados acontecimientos. Es decir, cómo conjugan el registro de la actualidad con ingredientes que fijan lo particular y, a la vez, incorporan una lectura alegórica. En suma, lo que nos permite apreciar una foto es ese plus que parece revelarnos algo del pasado hacia nuestro presente.

Retomemos el asunto de la violencia porque, con independencia de su valoración como fenómeno o epifenómeno del proceso democrático, fue un signo de la incapacidad del Estado para adaptarse al nuevo tiempo político. Siguiendo a Hannah Arendt, “el poder es esencial en todo gobierno, la violencia no. La violencia es instrumental por naturaleza; como todos los medios, necesita guía y justificación para alcanzar el objetivo que persigue. Y lo que necesita ser justificado por otra cosa no puede ser la esencia de nada”. El final del franquismo evidenció para amplias capas de la población la ausencia de legitimidad de su poder. De ahí que tuviera que recurrir a una violencia desproporcionada y que esta se aplicara en aquellos lugares (la calle, centros de reunión, espacios públicos) donde era más difícil ejercer el control. “Entre el 1 de enero de 1975 y el 31 de diciembre de 1982, murieron 504 personas como consecuencia de la violencia política no estatal. La gran mayoría de estas víctimas mortales, el 96,2%, fueron víctimas de violencia terrorista. Por violencia revolucionaria murieron un 13,3% (67) y un 15,1% (76) por fascista. Por su parte, la denominada “violencia estatal” causó la muerte de otras 214 personas”.


José María Romero Ortíz
Universidad de Sevilla
josromort@alum.us.es
Salvador Reyes de Cózar
Universidad Loyola Andalucía
María del Mar Ramírez Alvarado
Universidad de Sevilla
delmar@us.es

Comunicación escrita: La postfotografía como lenguaje universal de comunicación en la sociedad hiperconectada (PDF) 

Desde sus inicios en la primera mitad del siglo XIX, la fotografía ha encontrado su punto de partida en la ciencia y la tecnología. A medida que el tiempo avanza, también lo hace la tecnología, y la fotografía se ha ido transformando y adaptando a nuevas técnicas y métodos de obtención de la imagen fija. Los avances técnicos y mediáticos de las últimas décadas han ido desarrollando una nueva forma de concebir las imágenes y su producción por parte de la sociedad, siendo de esperar que la producción fotográfica a escala social siga multiplicándose exponencialmente. En este trabajo se reflexiona sobre el papel que juega la fotografía en los procesos de comunicación en la sociedad actual, desde un punto de vista de la sociología de la comunicación. Para ello, se toma como punto de partida dos trabajos de referencia de diferente naturaleza. Por un lado, se analiza el documento “Por un manifiesto postfotográfico”, de Joan Fontcuberta, publicado en La Vanguardia en 2011; por otro lado, la obra de la artista Penelope Umbrico “Suns from Sunsets from Flickr”, de 2006 y aún en desarrollo. Centrados en aspectos como la función social, la función comunicativa o la autoría, los resultados de este trabajo apoyan el cambio de paradigma, más allá del ámbito del arte, sobre el uso de la fotografía en el contexto de la comunicación y las relaciones personales como vehículo de transmisión de historias y antropología visual.


José Muzlera
jmuzlera2000@gmail.com

Comunicación escrita: Hogar_San Juan (PDF)

Hogar San José. Varones en Situación de Calle, es un proyecto aún en construcción. Nació en 2019 con el objetivo de visibilizar el hogar, pero sobre todo los casi 300 hombres que pasan el día en la calle y van a dormir bajo su techo. Buenos Aires -ciudad donde está el Hogar San José- es una ciudad en la que la discriminación y la violencia están a la orden del día. Para muchos de los porteños la gente en situación de calle es temida y/o despreciada. Su peligrosidad no se cuestiona y en general la responsabilidad absoluta de la situación tampoco. Partimos del supuesto que en todo acto de discriminación hay un proceso de deshumanización. Se reconoce al yo como modelo de humano y ese otro como no humano. Este proyecto fotográfico pretende visibilizar esos rostros humanos… con su dolor, su soledad, pero sobre todo con una humanidad tan humana como la de quien los observa o ni siquiera eso.

Proyecto Fotográfico: Soledades_Pampeanas (PDF)

Este portfolio, de algún modo, es una continuación de otro – Miradas Plurales. Trabajo y Trabajadores Rurales- que fue presentado en Universidad Nacional de Quilmes (Argentina), en la Universidad Autónoma de Baja California (México), en el Hilton Midtown New York hotel de New York en el marco del XXXIV International Congress of Latin American Studies Association (LASA) (EEUU) y en la International Conference Old and New Worlds: the Global Challenges of Rural History en Portugal. Miradas Plurales retrataba la diversidad del nuevo paradigma agrario, los ganadores y los perdedores. Soledades pampeanas, si bien comparte el escenario geográfico, pone el foco la soledad. La zona rural pampeana, en especial su parte más meridional, se caracterizó por sus amplias extensiones y por la soledad de sus habitantes. Sus paisajes chatos y poco habitados son una de sus características esenciales. Transmitir esa sensación de inmensidad y desasosiego es el objetivo de este porfolio. Las imágenes que lo componen son el resultado de 4 años de viajes desde la ciudad de Buenos Aires a distintos lugares de esa Pampa sureña, principalmente el partido de Balcarce. Estás idas y vueltas – que realizo desde que nací- me permiten naturalizar realidades y extrañarme unas semanas después, pudiendo mirar sorprendido algo que conozco bien.